Ricollocando al centro l'operato individuale rispetto alla storia, questo "dramma romano" rappresenta un esempio di come l'invidia di Cassio, la problematicità di Bruto, o la stessa maestosità del ruolo di Cesare siano determinanti alla complessità della situazione storica e delle scelte conseguenti che la stessa impone. A partire da questa riflessione, questo Giulio Cesare si muove drammaturgicamente da un brusio indistinto fatto di voci, suoni e ossessioni al cuore di ognuno dei protagonisti, eliminando così ogni contesto storicizzante, isolando le ragioni di ognuno e riconsegnando la storia di un gruppo di uomini travolti dalle invidie, vinti dalle certezze, contagiati dalla crudeltà e dal caos, intrisi di furore e di tensione insopportabile mai acquietata se non di fronte alla morte.

Shakespeare fa delle tragedie un condensato delle cronache regali e sottopone la storia a un processo di assolutizzazione che ne svela l'immutabile meccanismo. La Storia è personale, ha nomi e pochi protagonisti, raramente vi fa la sua comparsa il popolo. Nell'adattare il testo shakesperiano e quindi nell'elaborare l'idea di regia ho seguito la strada della sottrazione. Ho quindi alleggerito la struttura drammatica originaria, riducendo di conseguenza il numero dei personaggi, ed eliminato il contesto storico e politico, per porre al centro del lavoro l'azione, le passioni e le emozioni di ogni singolo personaggio. Ricollocare "al centro" l'operato individuale mi ha permesso di avvicinarmi alla parte più profonda e oscura dell'animo umano, di sondarla e di fare emergere per tale via tutta la modernità insita nel testo shakesperiano. Da un brusio indistinto, fatto di voci, suoni e ossessioni emergono i protagonisti, uomini travolti dall'invidia, vinti dalle certezze, contagiati dalla crudeltà e dal caos, presi da una tensione insopportabile che può placarsi solo con la morte. I personaggi si stagliano con chiarezza in un luogo formalmente semplice e rigoroso, con forti richiami alla classicità, un luogo che racchiude un universo fatto di luci e ombre, dove la minaccia e l'inquietudine aleggiano continuamente. Questo universo mentale, evocato da un paesaggio sonoro ricco di suggestioni, prende la forma di un grande gioco di tattica e strategie, nel quale le parole hanno il potere di muovere all'azione e l'andamento dei pensieri si fa musica. Gli attori diventano così ''strumenti" della parola che, sola e libera da ogni inessenziale orpello, distilla significati "alti", con continui affondi retorici e scatti emotivi. Da qui la scelta di ispirarsi al mondo della scherma - rievocato anche nei costumi - in cui vigono regole di comportamento e un senso "nobile" dell'onore. La storia di Cassio, Bruto, Antonio e Ottaviano, diventa esemplare della storia di ogni singolo individuo, in ogni tempo, perché è difficile sottrarsi a passioni ancestrali ed emozioni violente quando si è forniti di "carne e sangue e dotati di intelletto" come Shakespeare fa dire a Giulio Cesare nel suo ultimo monologo. In questo senso il "Giulio Cesare" è l'opera più vicina alla tragedia greca, perché va al cuore stesso del senso tragico e ne rivela il significato. Lo spettacolo, prendendo spunto da queste riflessioni, punta a essere una analisi emozionale/emozionata dei protagonisti e della esemplarità del loro ruolo e condizione e sceglie la via "antropologica", che d'altronde lo stesso Shakespeare indica, per una analisi profonda dell'animo umano. Uno spettacolo questo dove il "calore dei corpi" si raffredda e si stempera nell'esercizio verbale/mentale dei protagonisti.
Maurizio Panici

Note sulla musica
La colonna sonora è stata concepita e strutturata da Paolo Vivaldi come lo "score" di un film dove i temi, gli spazi sonori e le assonanze e dissonanze timbriche tendono ad evocare e a dare profondità alle più segrete suggestioni emotive e psicologiche del testo. In questo paesaggio sonoro, alle melanconie e regalità della viola da gamba (suonata da Paolo Pandolfo) fanno eco le percussioni persiane Zarb e Daf (Mhosen Kassirosafar e Simonetta Imperiali), la voce indiana di Francesca Cassio e l'asprezza dell'Ud, il liuto arabo di antichissime origini. La contaminazione di vari timbri e mondi musicali è legata da un tessuto orchestrale di archi sospesi ispirati alla scrittura di Bernard Herrmann, noto compositore di Hitchcock, che rimanda a situazione di suspance e tensione. Così il tradimento, la menzogna e il sospetto si insinuano in ogni gesto, percorrono ogni frase e le profondità sonore amplificano il mondo psicologico di tutti i personaggi.
Paolo Vivaldi